Exhibition 展訊

展覽介紹|

亦安畫廊台北將舉辦黃海欣、林亦軒兩位旅居美洲的台灣藝術家個展。分別以紐約、拉丁美洲為生活與創作的據點,在這兩位80後藝術家的豐富創作能量中,能明顯看見他們的生活與想法,藝術與他們的濃稠連結,最終如何把所見所感、生活起落轉化為與幽默、解放的反覆主題。

黃海欣自 2010 年起在當代繪畫界發揮了開創性的角色。作為一名畫家,黃海欣由各式各樣高級與流行文化中尋找主題、真實與諷刺,完成無論於內容上、圖像上、技法上皆顯緊湊的複合體。在她的繪畫中-尤其 2013 年底開始發展的〈博物館〉、〈桑拿〉、〈江南〉等系列,黃海欣從消費者、觀光客的世界與「高度文化」中吸取各種元素,然後宛如生活與廣告間的微妙關係,她也引用藝術與消費間的依賴與矛盾,她並且成為這種表現的無比高手,在崇高與平淡之間相互作用,再現這些場域裡的熟悉主題,最終在一種淡然狀態下描述了媚俗與諷刺。黃海欣帶有尷尬的繪畫風格豐富地表現她於各國遊歷時所看到的場景:有時看起來很脆弱,有時看起來很興奮-迷人和挑釁是顯而易見的並存。

「我主要繪製我所見證的荒謬,而存在繪畫中的某種尷尬來自我作為外國人的令人沮喪的生活經歷-很多時候,事情並沒有如我預期地那樣奏效,從線上客服到約會體驗等,沒有什麼是浪漫的和理想的。在這樣的經驗裡,幽默感是我生存的最重要力量。生命充滿繁瑣與失調,但是我正試圖向觀眾展示稍縱即逝的不可思議的美麗:我們的幽默以及悲劇、人生的宏偉以及人性的脆弱。」黃海欣說道。

林亦軒的紙上作品綜合了多種技法與顏料,藉此提供同時既是不斷變化的抽象,同時又是比喻與敘述的圖像世界-就像「現實」往往是我們想像以上更廣泛、更全面、且更不真實一樣-他試圖描繪且呈現一種恆定、卻又經常混亂的狀態。這些 2013 至 2014 年製作的作品,是林亦軒初到拉丁美洲時期所做,或許就與南美及台灣的多元文化一樣,他在創作這些作品時,受到地點文化轉換所經歷的所有現象的多重關聯、形式、感受啟發,促使他在作品中創造令人驚奇的組合與脫序,包含且壓縮大量看似無關的符號,重疊多種畫風與風格。林亦軒不斷在形象、抽象、描繪和重複性模式之間轉變,同時他深受美國垮掉一代凱魯亞克 (Jack Kerouac)的影響:貧困、潦倒、一無所有、流浪,探索哲學與神秘主義的解放,最後似乎表達了人類感知和經驗的所有豐富,但最終卻又不可知的各種東西。

「我知道垮掉一代是2011年在阿根廷時有朋友跟我提起,之後我便一直收集他們的資料。雖然我在拉美遊蕩一開始不是受他們影響,但這幾年我對他們團體的氣氛和作家的創作方式一直很有興趣,我的作品裡的『不穩定』物件(例如旗子、雞蛋、草、水等等)也多少受了他們文學作品的影響。 當我思考如何點出拉美特質、或含括我這三年生活和創作的起落時,我便想到這段期間,他們的作品是我倚賴的精神糧食,所以決定取自他們作品裡的話來當作展名-雖然他們來拉美都是來找迷幻藥。」林亦軒自述道。

展覽資訊|

展期Duration|2017. 11. 24 ~ 12. 30
策展人Curator|黃海欣Huang Hai-Hsin 林亦軒Lin Yi-Hsuan
地點Venue|亦安畫廊台北 aura gallery Taipei
開幕暨記者會Opening|2017. 11. 24 (Fri.) 6 p.m.( 藝術家將出席酒會 )
座談活動Talk|2017. 11. 24 (Fri.) 6 p.m.

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展覽介紹|

Conceptual art is made to engage the mind of the viewer rather than his eye or emotions. Conceptual art doesn’t really have much to do with mathematics, philosophy, or any other mental discipline. – Artforum (June, 1967).

「世界客觀性如何能被主觀地認識?」- 埃德蒙德·胡塞爾(Edmund Husserl) 

從具時代代表性的普遍科技工具google翻譯產出的錯誤文本,展開了飄忽、瀟灑、斷裂的資訊閱讀感。畫面裡再平凡、簡單不過,來自於網路世界圖庫的影像,交錯互相成為彼此畫面裡的真實,成為虛幻與現實難分的平面時間雕塑。 

身處資訊便利、快速、且無限般大量的網路資訊時代,我們該如何面對在資訊經驗、記憶和想像裡,不斷快速擴張當下社會?而我們如何隨著影像、資訊的被大量製造的同時,也組織了由想像建造的「新世界觀」? 

雖保留部分原型、但卻扭曲的姿態單獨呈現的「訊息雕塑」,藍幕、網路資訊圖像混雜、拼貼而成的訊息軟雕塑體,資訊影像實體與藍色布幕間的幽微作用,成了莊培鑫作品最詩意的記憶點。

莊培鑫2017年個展中的作品,把一幕幕看似平凡的山、林木景致變成屏幕,建構出一座想像與精神交疊的感官劇場,彷彿讓一組組「虛擬、重疊且分裂」的影像找到了浪漫的替身,並嘗試追問,究竟「敘述現實」與「製造虛構」,哪一個比較容易?

藝術家對資訊經驗、記憶的爬梳與挖掘,爾後轉化嘗試闡述,察覺意識與特定事物之間的幽微作用。藝術家的創作與思想提醒了我們,我們所能認為的地理、或物理性的世界,可能還包含了人的意識與經驗所投射、甚至反映的精神世界。 

潛藏在這次個展中,google翻譯便象徵著一個來自科技社會的尚未完善、功能失準的存在。這一個個失誤背後所創造的雖便利但不舒適,甚至造成生活的異化的是,是那看似悠然唯美的文字俳句,直到有一天它被完善地改良,他才會消失。面對躁亂的時代資訊經驗,藝術家以本次個展的創作作為執行,選擇不順從歷史的脈絡,去嘗試組織、勾勒出另一種認知與敘述現實的渠道。「如果在適當的條件下」是一檔關於重新思索資訊時代與想像世界觀的展覽。

一共三部缺乏故事、世界觀、與主角的劇場,透過創作者將資訊主觀地拼貼,弔詭但卻浪漫地映演了、回應了這個時代的人們,是如何面對訊息、解讀和想像。而令觀者面對畫面中文本時所獲得的真空感,來自於作品冷調和幽然所製造的混亂與心慌。我們所面對的所有科技與資訊,一切可能皆可能被破碎解讀、一切可能皆屬偶然。 

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參考資料

” Paragraphs on Conceptual Art ” – Sol Lewitt /Artforum (June, 1967).

Thinking on Screen: Film as Philosophy – By Thomas E. Wartenberg

「生活世界的本體論」與「實踐的一元論」- 張慶熊,復旦大學哲學學院教授、博士生導師,復旦大學國外馬克思主義研究中心副主任、研究員。

《歐洲科學危機與超驗現象學》- 埃德蒙德·胡塞爾

初探 Sophie Calle 與佛洛伊德說的《真實故事》-議藝份子 第十四期 

 

展覽資訊|

展期Duration|2017.11.11~12.24
策展人Curator|莊培鑫Pei-xin Chuang
地點Venue|紅野畫廊Powen Gallery
開幕暨記者會Opening|2017.11.11 15:30
座談活動Talk|2017. 12. 24 10:00~19:00

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展覽介紹|

2009年2月,藝術家侯淑姿因投入高雄左營的眷村調查研究而進入了高雄眷村,也走入了眷村居民的生命歷程。八年多來,她以天職般的使命感介入眷村文化保存的工作,產生了與眷村居民休戚與共的患難情感。在高雄眷村,侯淑姿與地方空間相遇,與不同生命的歷程交織,開創了一種跨越紀實攝影、田野敘事、社會性實踐的多重界限的藝術。

In February 2009, artist Lulu Shur-tzy Hou visited military dependents’ villages in Kaohsiung as part of a survey research on the city’s Zuoying Military Dependents’ Villages, which brought her into contact with the lives of military dependents’ village residents. Throughout more than eight years, she has been driven by a deep sense of mission to involve herself in the effort to preserve the culture of military dependents’ villages, and as a result has personally shared the trials and tribulations experienced by village residents. In Kaohsiung’s military dependents’ villages, Hou’s encounters with local spaces and her life interwoven with different courses of life have inspired her to develop a style of multi-domain art encompassing and transcending documentary photography, field narratives, and social practice.

本展為策展人黃孫權與藝術家侯淑姿繼2010年高美館的創作論壇《望向彼方:亞洲新娘之歌》後再次合作。此高雄眷村三部曲是為藝術家多年深入高雄左營與鳳山眷村創作的總結。藉由策展人稱之為「雙眸」風格的正負影像並置、主客觀點並陳的表現手法,作品呈現了在眷改條例下幾經波折動盪的離散滄桑,以及藝術家與眷村居民在對話中所交疊的當代史心聲。

This exhibition represents a further collaborative effort involving curator Huang Sun Quan and the artist in the wake of the “Look toward the Other Side: Song of Asian Foreign Brides in Taiwan,” which was held in 2010 under the auspices of Forum for Creativity in Art at Kaohsiung Museum of Fine Arts. A Trilogy on Kaohsiung Military Dependents’ Villages summarizes the artist’s creative work involving Kaohsiung’s Zuoying and Fengshan military dependents’ villages over the course of many years. Employing the juxtaposition of positive and negative image pairs — which is termed a “Double-gaze” style by the curator, the artist superimposes subjective and objective viewpoints. Her work displays the dispersion and disruption of the military dependents’ villages, the turmoil and transience of the village residents’ lives as well as their appeals for “going back home” due to the improper execution of “Act for Rebuilding Old Quarters for Military Dependents,” and creates a contemporary epic of local history interwoven with the artist’s narratives and her dialogue with the residents.

自2013年的《我們在此相遇》、2015年《長日將盡》,到新近完成的《鄉關何處》系列,此三部曲系列作品映照出眷村的不同命運—人物全非的、房舍依舊但人回不去的、仍奮力存活的家園。藝術家透過攝影記錄、訪談調查、行動介入,在社會性空間裡生產藝術;於田野間、於藝術家以身為度之際、於居民向公共歷史說話中生產作品。

The trilogy, which consists of the “Here is where we meet” series published in 2013, the “Remains of the Day” series published in 2015 and the recently-completed “Out of Place” series, reflects different fates of military dependents’ villages: people and houses all gone, houses still present but no people living in them, and still-thriving communities. The artist relies on her photographic record, interviews, and active intervention to produce art in social spaces. In the field, the artist has deep empathy with the residents. Going together, they create a public history and start a conversation with Taiwan’s societies.

藝術家的攝影並非再現眷村,而是創造我們與眷村的共感,讓鮮少被論及的眷村女性得以顯露其生命歷程,並揭示出全台消亡的眷村乃公共住宅私有化的歷史。長期致力於從女性觀點書寫與創作的侯淑姿,令我們聆聽眷村女性的聲音,看到她們與國家、家園、男性愛恨糾纏的容顏。同時令我們意識到眷村不是鄉愁,而是一段讓台灣社會聚落失去一切共有 ( 家園、記憶、共同生活 ) 的殘酷歷史的一部分。也因此,此展覽能夠使得我們從「應當去那兒住」( there that I should like to live )的感受性—巴特認為攝影最好的品質—出發,思考逼問台灣土地上每一個人的、而非僅是眷村住戶的問題:若「地景的本質是:家」( the essence of the landscape: heimlich ),那我們的家在哪裡?

The artist’s photographs are not a representation of military dependents’ villages, but rather the creation of a shared feeling among all of us, not just the military dependents’ villages. These works are sketches of an after-war migration history, which reveal the traumatic experiences related to local feelings and living histories due to urban development, and represent a collective movement of the residents of military dependents’ villages to “have a Home.” Having long striven to write and create art from a female perspective, the artist lets us hear the voices of women of the military dependents’ villages; in her art, we see these women’s complicated love/hate relationships with their country, their homeland, and their men. At the same time, her art makes us conscious of the fact that the military dependents’ villages do not represent nostalgia. In fact, the disappearing course of military dependents’ villages across Taiwan are equivalent to the history of the privatization of public housing in Taiwan, as well as the cruel historical process in which some major social communities in Taiwan lost all their common property (home, memories, communal life.)

As such, this exhibition is able to help us proceed from having a sensation of “there that I should like to live” — which French philosopher Roland Barthes considers the best quality of photography — to thinking about a question that not only the residents of military dependents’ villages but also each and every person in Taiwan should be forced to answer: If “such then would be the essence of the landscape: heimlich (meaning home and clandestine in German),” where then is our home?

 

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展期Duration|2017.07.01~09.17
策展人Curator|黃孫權Huang Sun-Quan
地點Venue|高雄市立美術館Kaohsiung Museum of Fine Arts.
開幕暨記者會Opening|2017.07.08 14:00~14:50
座談活動Talk|2017.07.08 15:00~16:00

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初觀吳日勤的繪畫,人們很難不被其氣勢雄邁的筆刷線條所吸引,時而渾厚; 時而蒼勁, 時而虛渺; 時而虯韌.,種種特徵,,皆能夠簡易地被連結到書法藝術,或是禪學云云。

不錯, 在吳日勤的早期藝術養成中, 那些訴諸於類似一筆定江山的創作方式, 確實深植於其往後的繪畫之中. 無論是某種氣韻生成之前的心理準備, 或者下筆剎那的專注性, 似乎都帶有深層的玄奧. 然而, 快速的、直覺式的刷痕, 其實有著更豐富且具體的意涵。

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展期Duration|2017.09.01~09.16
開幕Opening|09.02 14:30
展場時間Time|13:00~19:00
地點Venue|原顏藝術 UYart

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繪畫不過是線條在散步 – 保羅・克利 (1879 – 1940)

A drawing is simply a line going for a walk. – Paul Klee (1879-1940)

此次沃沃美學邀請兩位當代藝術家林雅涵、張玉歆,分別呈現各自在線性筆觸下兩種全然不同之繪畫語境。透過展覽之交織對比,期許觀看者能隨著蔓延的線條牽引,進入藝術家自身的線性時態之中。

In this group exhibition , wòwò Aesthetics invited two contemporary artists Lin Ya Han and Chang Yu Xin to present the painting context with completely different styles under the linear stroke. Moreover, we expect the audience will get into the linear present of the painting along with the spreading lines by comparing the artworks of the two artists.

林雅涵以細膩而溫潤的筆觸描繪髮絲,結構畫面,透過糾結的髮絲傳達自身感性與理性的交纏。在《花開時節》系列中,髮絲編織成之花朵則蘊含了自身對自然的體悟,隨著時序更迭,耐心醞釀而至含苞待放,亦如同藝術家對自己的創作狀態之投射。無論是有意識的揮灑或無意識的自由流動,強烈而細緻的情感都透過其婉約的線條宣洩於畫面之上。

Lin Ya Han presents the structural scene of smooth lines, through the express of the interweave between emotional and rational in order to emerge the exquisite touches. In the series of <blooming> , the flower weaved by hairline meaning the experience of nature . As the time goes by , flower’s blooming also as the reflection of creative condition. Whether it is painted by conscious or subconscious, Lin Ya Han express the intense and exquisite emotion through delicate lines.

張玉歆自2006年開始以一條不想截斷的線開始塗鴉,這條線不停的延伸再延伸,進而發展出《Line out》系列。創作上拋棄所有文明經驗所學,完全任憑某種無所不在,非自我控制之下的氛圍在物質媒介上行走。直覺的構成牽引著線條,於塊面的背景留下了紛亂的軌跡,宛如兒時的塗鴉亦或是日記式的書寫記錄,在曖昧、散漫的線條中隱約透露出自身情感意念上的流動。

Chang Yu Xin extended the series <Line out > as she drew the unlimited and continuous lines since 2006. Her artworks abandon all the experience of civilization, just let the uncontrollable and ubiquitous atmosphere“walk” on the media. The intuitional construction lead the lines and remain the scrambled trackway, just like the child graffiti or daily writing , which show the feeling and emotion of the creator.

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展期Duration|2017.7.29~9.23
展場時間Time|11:00~18:00 (日、一休館Closed on Sundays and Mondays)
開幕茶會暨座談會Opening & Talk|2017.8.5 14:00
主持Presenter|沃沃美學 wòwò Aesthetics 藝術總監Art Director 張馨之 
參展藝術家Artists|林雅涵(Lin Ya Han)、 張玉歆 Chang Yuxin
地點Venue|沃沃美學 wòwò Aesthetics (新竹市西門街258號)
聯繫Contact|03-5282677;wowoartlink@gmail.com

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這是一個夢寐以求的展覽,雙橡園(Twin Oaks)與中華民國結緣已經80年了,將於今年五月邀請知名當代藝術家洪易,帶著其彩繪雕塑作品,到美國華盛頓DC展覽,為雙橡園慶生,藉著作品讓中外嘉賓一同感染來自台灣洪易的藝術魅力。

文化部次長楊子葆在記者會上提到:「在洪易身上,我看到台灣藝術家的美國夢,洪易內心中潛藏著台灣最可貴的拚勁與熱情,雖然台灣現實文化外交不容易是事實,但是洪易做到了!」洪易作品不只是傳統社會生活與文化的圖像元素,更是融合當代精神的圖騰與符號表現,每一件彩繪動物系列鋼雕富有歡樂、喜慶、吉祥的愉悅氣息,相信今年在華盛頓開放公共空間的展出,一定會獲得相當大的迴響及矚目。

華盛頓DC的雙橡園是我們在美國最重要的指標性場所,更是位於美國首府華盛頓DC。在雙橡園展出作品有1.馬上鑽 2.馬上發財 3.犀牛 4.馬戲團 5.大牛6.彩繪圓龍及7.機械圓龍等作品,洪易的作品透過與公眾互動,傳達一種分享的概念;藉由“鋼板塑型”與“烤漆彩繪” 的結合,締造出一種不同以往的視覺驚豔。

另外洪易受到華盛頓城市中心(CityCenterDC)及華盛頓市中心商業促進協會(BID)共同邀請,在華盛頓DC城市中心舉辦展覽,展出地點位於華盛頓重要交通地標,包括白宮與國會山莊之間及哈洛德廣場….等,共展出1.龍馬 2.剪紙駱駝 3. 彩繪駱駝 4.三羊開泰 5.長景祿及6.鷹鴿水水牛等六件大型公共藝術雕塑,這是台灣藝術家首度在華盛頓舉辦大型藝術展!屆時將會是台美重要的文化盛事!

台灣當代雕塑藝術家洪易與印象畫廊,六年內共同舉辦展覽於世界各地,舉凡美國東岸紐約百老匯大道,西岸舊金山市政廳, 與世界知名的日本東京箱根雕刻之森美術館,和台灣各大重要城市, 台北市、新北市、台中市…等,不斷在國內與國際間拓展,作品傳遞出飽滿、圓融、自然及渾然天成的大氣魄,洪易的作品適合擺放在廣闊的綠地與新時代建築的公共空間,讓作品與環境產生互動,從立體彩繪創作到新媒材的地景裝置運用,讓我們拭目以待,一起見證洪易的彩繪雕塑,爭豔華盛頓DC。

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展出地點 Location|華盛頓 城市中心廣場 City Center, DC
展出時間 Duration|2017.4.26~10.15
開幕 Opening|2017.5.6
策展人 Curator|歐展榮
主辦單位 Organizer|駐美國臺北經濟文化代表處臺灣書院印象畫廊 InSian Gallery
指導單位 Supervisor|文化部

「台灣當代一年展」前身為「台灣藝術家博覽會」(2002-2015),為了與一般藝術博覽會做出區隔,自2016年起更名為「台灣當代一年展」。展覽強調藝術平權的概念,不設任何限制,邀請所有藝術家共襄盛舉。展區共分為主題策劃區、影展區、藝術平權展區、創作計畫區、台灣及國際替代/另類空間區。

由台灣視覺藝術協會(視盟,AVAT)主辦的「台灣當代一年展」,前身為「台灣藝術家博覽會 Artist Fair Taiwan」(簡稱視盟藝博),自 2002 至 2015 年延續十四屆。為更貼近當代潮流,也希冀與所謂「藝術博覽會」做出區隔,在2016年特別以國際藝術展經常使用之雙年展、三年展作為呼應,更名為「台灣當代一年展 Taiwan Annual」(簡稱一年展)。

一年展是台灣目前眾多藝術大展中歷時甚為悠久的展覽,也是年度藝文界的盛大焦點,延續視盟藝博的「平權」特色,秉持服務藝術家精神,開放展覽平台予個別藝術家,確保每位藝術家的作品皆能在展出平權的前提下,得到應有的展覽機會與尊重,同時也將持續作為策展人、畫廊業者、收藏家發掘新秀藝術家的重要管道。

除了延續「平權」特色,亦設立「創作計畫區」,徵求不拘形式、更無設限的展覽計畫,為更多元的當代藝術創作型態提供發表平台;擴大「主題策劃展區」及「影展策劃區」規模,鼓勵在地獨立策展實驗精神,讓台灣新興策展人能有更多演練舞台;同時,邀請國內外藝術/替代空間參與,並與同樣在非營利經營上努力的藝術空間分享展位,以期將國際藝術機構截然不同的生機展演內容,介紹給廣大藝術群眾們。

2017年第二屆台灣當代一年展,更強化資料庫、策展與國際交流,將「台灣當代藝術資料庫」線上策展徵件,於今年一年展展場實體化展出;並辦理「藝術沙龍」- 國際對話,予以台灣及國際藝文空間相互交流的機會。台灣當代一年展在精神上保持初衷,在內容則上更具有彈性與多元特性,在一般以畫廊為單位的藝術博覽會機制之外,提供藝術家另種開放的展覽平台。

Since its establishment in 2002, the Association of the Visual Arts in Taiwan (AVAT) organized ARTIST FAIR has made itself an alternative exhibition platform for individual artists rather than galleries as seen in most fairs.

ARTIST FAIR is officially renamed as TAIWAN ANNUAL in 2016. The 15th anniversary welcomes the first edition, homage to the contemporary art trend that international exhibitions are often titled as “biennale” or “triennial,” to distinguish ourselves from other art fairs.

Though the name is new, TAIWAN ANNUAL is one of the oldest major exhibitions in Taiwan, and it is often considered the event of the year. In the future, we will make sure that TAIWAN ANNUAL never contradicts AVAT’s belief in “equality.” It will remain a platform for individual artists, providing service to guarantee that every artist should be given a fair opportunity and respect. Meanwhile, it will continue serving curators, gallerists, and collectors by introducing emerging artists.

At ARTIST FAIR’s last edition in 2015, we have mapped out an exciting future for TAIWAN ANNUAL: the “Open Call for Art Projects” section welcomed any free-style exhibition projects to promote a more diverse contemporary art exploration.  We have also increased the scale of “Curatorial Projects” and “Video Works Cinema” to encourage local curators to adopt a more adventurous spirit and to guarantee a more visible space for emerging Taiwanese curators. By inviting domestic and international alternative art spaces to join us, we have tried to make the art fair an international event to collaborate with alternative art institutions sharing similar missions and to introduce their different exhibition approaches to the art scene here.

For TAIWAN ANNUAL 2nd of 2017, we continue and further strengthen the Artist Archive, curating, and international exchanges. The “TCAA Online Curatorial Projects” is included as part of the exhibition this year; we also hold the Art Salon – International Dialogues, events which provide opportunities for exchange between local and international art spaces. Our spirit always remains the same, but the content now is allowed better flexibility and multiplicity to serve the artists and to cultivate a blossoming generation.

展覽介紹|

「忘山」圍繞著我如何以繪畫的方式去面對傳統風景畫自身的歷史脈絡,因此我所面對的不是實際的自然風景,而是把以風景為題的畫作為對象。於2016年「前山」個展中,因個人的地緣關係開始以觀音山為起點,其目的透過風景與人的歷史建立起過去與當下的脈絡,更可清晰述說著,從何而來,又將由何而去。因此我開始留意風景畫的繪畫概念,如何在台灣這塊土地上被形成與建構,也回溯到十九世紀初這輩的台灣第一代畫家身上。

於創作的過程中,面對著臨摹與取其風格再創造的繪畫狀態,當中十分的使人玩味,某部分又像回到像初學者般,意圖讓思維與圖像更接近些;時而又必須跳脫框架,用個人的方式詮釋。誠如前輩畫家陳慧坤提及的繪畫經驗:「看塞尚不只看到塞尚, 一定要從看塞尚而看到自己。」 註1 我同時在看塞尚也看自己的狀態下拉鋸。因此我將這樣拉鋸的狀態稱作為「忘」,即是對於繪畫狀態的形容,透過研究學習後,進而放下所學,讓它成為自己的一部分。「山」則是以風景畫與人物的歷史為寫生對象。

風景畫作為一種繪畫的題材分類,呈現畫家所看到的世界。在風景畫的世界裡,風景也是載體,承載了作者的意志與心念。因此風景畫裡一草一木都可化為特定的象徵意涵。「忘山」的作品中,出現許多芭蕉樹、觀音山、淡水的圖像,經過重新組構安排,凸顯了時代不同對於風景畫概念的差異,同時「忘」字同音「望」,也意指著該如何觀看這片風景(畫)。這之間產生與傳統風景畫脈絡的對視關係,讓風景畫不僅是風景畫,繪畫也不再只是繪畫而已。繪畫成為創作者需面對的問題,問題本身即代表藝術家思索的路徑,每張畫作都是藝術家給自己的問題,如何解決問題,變成一個很有趣的迴圈,透過創造去回應問題,再由問題去解釋為何創造。

註1《臺灣美術研究講義》,謝里法著,〈臺灣美術史個別研究篇–(9)塞尚的研究者:陳慧坤〉

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展期Duration|2017.7.21~9.24
開幕Opening|7.25 17:00
地點Venue|KdMoFa 關渡美術館 402展廳 Gallery402

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從15世紀以來風景創作一直都是西方重要的藝術表現題材,從把風景簡單視為一塊有人活動的地方,到視其為自然與文化二元對立的表徵,而今到身體經驗與背後隱含的空間政治,顯現有關「風景」的概念既豐富又多元,含義也隨著時空不斷易變。博藝畫廊八月展出陳傑強、謝牧岐雙個展,看兩位藝術家如何觀看、如何思考自身與風景間的關係,讓觀眾透過展覽發掘風景畫的多元可能性。

陳傑強創作在生活裡,慢慢寫成關於一個人的故事,時而曲折,時而平凡;意識如同掉進一個永遠消失卻一再被觀看的漩渦;重返逝去的現場,重新一再翻閱著生活裡的平凡木馬,玩具模型,狗狗,多是看見其身不見其首,其隱藏在畫面的房子裡,草叢裡,或是走出畫面以外,或是從畫布以外探頭進入畫面之中。他把畫布假設為一個劇場,它是一部進行中的場景,上演著環繞於我生活周遭的田野,老舊的房子,廢墟,破舊的傢俱,泥土的質感……畫面中物件的選擇,場景的組構、空間的安排,關乎個人對生活裡所看見的,有所感觸的,敢怒不敢言的,無能為力的。

謝牧岐的山脈寫生系列作品,並非是於現場寫生,而是透過描繪自然山景的影像投影,再依照投影的光線,對山的形象進行描繪與再造,山脈的肌理如同一片扁平的皺折,透過機具產生的光線產生的繪畫痕跡。因此畫面中,出現大量細碎的筆觸,勾勒還原山脈的輪廓,然而這個控制是基於光的投影後,繪者須用多少的筆觸還原光線的深淺。在還原的同時提供了一個創作者的視點,因此在畫面中,我沒要去刻劃敘事的場景,而是去刻劃光的痕跡,而山形也變成了圖像資訊的組合。誠如上述兩種寫生提供了不同的距離與控制的跡,於沒入山林與遠觀山脈的幻影,提供一種當代的看待寫生方式。

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展期 Dates|2017.8.12~9.10
開幕 Opening|2017.8.12 15:00
地點 Venue|博藝畫廊 BO ART GALLERY(台北市士林區天母東路42-1號)
時間 Time|12:00-20:00 (週一公休Closed on Mondays)

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展覽介紹|

邀請藝術家陳建榮、高雅婷、黃華真,進入A Room誰的房間一窺人與人事物環境的關係和其留下的生活痕跡。

在陳建榮創造出另一個虛實自然的空間裡,加入高雅婷、黃華真兩位探討人與現實自然微妙的吸引又疏離關係,陳建榮的空間處處是生活痕跡卻獨缺主角人物,也可說是他們兩位(高雅婷、黃華真)代表的是人物,進入原本人物缺席的空間,在三人各自創造的不同自然裡形成一個巨大的空間,產生一個新的視角可以窺見這裡頭所發生的情感、人、事、物、記憶、關係……

展覽資訊|

展期Duration|2017.09.02~10.17
開幕茶會Opening|2017.09.16 15:00
地點Venue|THE 201 ART 順天建築.文化.藝術中心
藝術工作坊Workshop|2017.09.23 15:00
座談Talk|2017.10.01 15:00

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