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展覽介紹｜

本展為「違和之地」系列展，本次以《源氏物語》中「生魂」與道家「魂魄出竅」作為概念，邀請的藝術家一為探討藝術家自身與意識疏離產生的違和感，另一是生理女性在不同時空(如從乙未戰爭開始到台灣日本時代、美軍駐台時期到現今國民政府時期)中關於性/別認同與處境的狀態。透過這兩類作品的交織，進而隱喻一段在國家機器、社會意識與戰爭相互作用中，台灣近代中對於壓迫女性身體使之產生記憶解離的歷史隱喻。

This exhibition is the series exhibition of “An Unnatural Place” which’s concept is about the “living spirit” and “astral projection”. The works in this show talk about two topics- one is the unnatural feeling out of the separation of self and consciousness. Others are about the situation and identity of sexual and gender that (physiological) females have been facing during the past centuries ( As Japanese ruled period, America’s Army stationed and Chinese Nationalist Government till now) Between the interweave of two kinds of artworks, metaphoring the time while state apparatus, social consciousness and war interact the modern history of Taiwan’s woman’s body which has been coerced and engender the dissociation of memory.

張美陵的攝影作品以 1895 年乙未戰爭的歷史照片作為創作文本，展示女性與其親族在前線頑強抵抗侵略者的幽魂，另份圖像為光緒時期的《點石齋畫報》的插圖，則出現有乙未戰爭客籍女性抗日的圖像；黃子明的攝影作品關懷台籍慰安婦在戰爭時期作為作為日本軍事性奴隸的歷史，台灣慰安婦受害人逾 2,000人，但目前僅剩 2 位尚在人世，時至今日，日本政府尚未向台灣提出道歉與賠償。

The photography of Chang Mey-Ling use the history photo of the soul of woman and their kinsfolk who fight at the front line to resistance the aggressor of Japanese invasion of Taiwan in 1895, to become her create source. The other image is about the “Tian-Shi-Zhai Pictorial” in Guangxu of the Qing Dynasty. And the photography of Huang Zi-Ming which solicitude the history of Taiwanese comfort woman became the sex slave of Japanese army. Which reach over 2000 of victims, only two woman still alive. Japanese government hasn’t apologize to Taiwan till now.

黃孟雯的攝影與裝置作品先是顯示了美軍駐台時期因美軍有駐外法權，對待女性工作者身體的殘酷對待，對於虐殺輪暴事件，台灣因外交弱勢而使自己的人民無法得到正義的政治現實；另件作品則以女性酷兒的日常生活田調為基礎，談到了日本時期到現代，女性酷兒對於婚後身分認同在社會上生活的狀態。勸世美少女娃娃與翁会長的MV作品則談到以金錢交換身體，將自我、身體與現實感觀切割的狀態，另外又延伸到性/別暴力(家暴)的問題。

Orlando Huang’s photography and installation works first involved the time when America’s army stationed in Taiwan, while they treat the female workers ruthless. Because the weakness of political, people in Taiwan can’t get their justice on those killing and rape by America’s army. The other work basic on the field research of normal life of female queer. Talk about the Japanese ruled period till now, female queer’s identity in life of society after marriage. And Wawa and Wong Kai Cho from Trancezone Family. Their music video works is about the self-objectifying of the women exchanging money with their body. Also extend the sexual/gender violence issue.

勸世美少女娃娃與翁會長的 MV 作品則談到以金錢交換身體，將自我、身體與現實感觀切割的狀態，另外又延伸到性/別暴力(家暴)的問題。鄧雯馨的 MV 則以自身經驗，來談一段白天與夜晚截然不同的生活。她在白天將自己作為國家機器的一部分，這種異化使她產生了某種人格分裂的違和感。

Trance beauty girl Wawa and Wong Kai Cho from Trancezone Family. Their music video works is about the self-objectifying of the women exchanging money with their body. Also extend the sexual/gender violence issue. Wen-hsin Teng made the music video by her own experience. Talk about the huge different of live between day and night. She turned herself into the state apparatus by day. The difference makes she feels split personality.

Maria Papi的影像作品與勸世美少女娃娃的MV作品，重視性/別暴力與女性身體。本次展出的 Maria Papi 以女性身體與水之間的關係，用抽象的詩意方式隱喻，讓人得以重新審思女性的身體。

在現今國際化時代中，이수진Soo Jin Lee 的作品談到了在異地生活，身為一個女性對於自身狀態與空間、環境疏離的違和感，她以塑膠布包起自己，成為一個絕緣的狀態。

Maria Papi’s video work and Trance beauty girl Wawa’s music video witch pay attention on the sexual/gender violence and female body. Papi’s work focus on the connection between female body and water, and let audience again contemplate on female body in An abstract, poetic and metaphoric way.
In the contemporary era of globalization, 이수진 Soo Jin Lee’s work talks about a female’s awareness of an uncanniness within her state in a stranger’s life. She covered herself by plastic fabric, turned into a insulation situation.

김소영 So Young Kim 的作品談到了在各種媒體（包含繪畫、雜誌、廣告、漫畫）中，女性身體其實是由男性目光所決定的，那些姿態、身體都是一種男性視野觀看的角度，將女性視為慾望的單純物件，顯示身體與其意識是一種切割的狀態。
作為意識疏離隱喻的部分，她的另件作品說了一個孩子在衣櫃裡面對世界進行虛構與想像的敘事編造的歷程，另件談到了事件若僅從記憶去回溯時，往往混雜了自身情感，這使得記憶如宗教信仰一樣，與他的原始狀態無關，成為一種變形的存在。

So Young Kim’s work talk about in each media (including illustration, magazine, commercial, comic) which woman’s body all decide by man’s vision. Those postures, body are a kind of vision angle by man. Seen woman as a single object of desire. Shows that body and consciousness are in a situation which can be apart.
As a metaphorical part of alienated consciousness, One of the work is talking about a kid in the closet imagine the world and make up story. The other is about when things remind with only by memory, usually mixed with self emotion. It makes memory like religion, nothing about it’s original shape. It’s a deformation exist.

鄧雯馨的實驗影像與音樂呈現一個意識漫遊，抽象的精神狀態，Carlos Martins 的黑白實驗電影呈現一個意識的紛雜；Juan Miceli 的錄像源自一次意外，藝術家本人因傷而使對自己身體進行日常行為感到陌生。Rodrigo Etem 的錄像則將自我外星人化，成為一個人類外星人，在一個荒涼的地方現實但又不真實的活著的狀態。

Wen-hsin Teng’s experiment video and music shows a consciousness roam, abstract spirit condition. Carlos Martins’ monochromatic, experimental movie expresses a situation of complexity. Juan Miceli’s video is originally inspired by an accident, in which artist felt a sense of unfamiliarity with his own body in everyday behavior because of the injury. Rodrigo Etem’s video tries to alienated himself to become an E.T. (or alien from outer space), whose life in a desolate land is in a realistic yet not real status.

展覽資訊｜

日期 Duration｜2017.8.19(Sat)~9.10(Sun) 12:00-19:30
開幕 Opening｜2017.8.24(四) 17:00
策展人 Curator｜楊雅翔 Ya-Siang Yang
阿根廷藝術家 Argentina Artists｜Carlos Martins、Juan Miceli、Maria Papi、Rodrigo Etem
韓國藝術家 Korean Artists｜김소영 Kim So Young、이수진Soo Jin Lee
臺灣藝術家 Taiwan Artists｜翁会長 Wong Kai Cho、張美陵 May-Ling Chang、黃子明 Tzu-Ming Huang、黃孟雯 Orlando Huang、葬詩人 You Object Poemer、鄧雯馨 Wen-Hsin Teng 、勸世美少女娃娃 Trance beauty girl Wawa

主辦單位Organizer｜水谷藝術 Waley Art、VideoBardo International Videopoetry Festival
贊助單位Sponsor｜文化部Ministry of Culture、台北市文化局Department of Cultural Affairs, Taipei City Government
指定輸出Print｜Avocado 數位微噴輸出
設備/技術Equipment/Tech｜地下車庫裝置設計工作室 、 幽谷響 YUGU

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展覽介紹｜

「Tell Me What You Want」是關於一段旅人和異地文化之間的視線、慾望、友誼及需求的交換。這個交換關係起始於David於馬尼拉馬拉提(Malate)的街上，以一個外來者的身分與當地街道上活動的「Marketing」們從陌生的交遇發展出交友關係，從拍攝影片的需求所產生的各種交涉和交易，這當中所發展的數種交換關係及過程，交錯著Malate的地方現實、人情網絡、跨文化的不同種欲望和想像的凝視與錯視。自2015年11月到2017年6月，David持續飛往馬尼拉，在旅人、友人及影片製作人的身分之間穿梭著，這些曖昧的角色經歷投射出跨文化呈現底下複雜的多重內涵。

“Tell Me What You Want” is about the exchanges of the gazes, desires, friendship, and wanting in between a traveler and an exotic culture. This relationship of exchange started when David was on the street in Malate, Manila. He engaged with the “marketings” on the street as a foreigner, and from this strange encounter, they developed friendship. Owing to the needs of shooting the films, the negotiation as well as transaction came along. The various relationship and processes of exchanges are intertwined with the reality, the social network, the diverse desires and imaginative gaze and illusion across cultures local to Malate. From November 2015 to June 2017, David constantly flied to Manila, shifting his identities as a traveler, a friend, and a film producer. Via these ambiguous narratives, the complex multiple meanings underneath the cross-cultural appearance is thus revealed.

在本次展覽中，藝術家以四部仿紀錄片(Mockumentary)：「Malate」、「David」、「Joara」、「The Shop」組織成展出內容，這四個影片彼此有所交織卻又獨立存在，也各自象徵著在不同的族群、文化、觀點、視線和慾望需求下的產物。透過這四個影片中所暗示的交會點「David」這個外來角色的鏡射，反映出展覽的許多核心問題。「Tell Me What You Want」這個街道招呼句，指向Malate街道上的交易結構，藝術家也在影片製作的過程中融合當地街頭的交涉形式，他不斷實驗著這個交換關係下的人情及經濟架構，同時也嘗試從中勾引出在不同文化面對友誼交流與交易行為的定義，以及彼此國族間存在的既定印象，和在觀光娛樂及跨國交易背後所隱藏的階級意識。

In this exhibition, the artist arranges four mockumentaries: “Malate”, “David”, “Joara”, and “The Shop”, which are intertwined and yet independent from one another. Each film respectively symbolizes the products deriving from various peoples, cultures, viewpoints, gazes, and wanting. Through the mirror of this alien character “David”, who is the intersection point implied in the four films, many of the core issues of this exhibition are exposed. “Tell Me What You Want”, a greeting on the street refers to the transaction structure on the street of Malate. The artist incorporated the negotiation on the local streets into the production of the films. He kept experimenting with the social and economic frameworks beneath this exchange relationship. At the same time, he tried to draw out the definitions of friendly exchange and transaction from the viewpoints of different cultures, disclose the bias rooted among different nations, and uncover the hidden class consciousness behind the tourism entertainment and international transaction.

筆記Note 01｜https://www.youtube.com/watch?v=4VyNlH9FoWo

筆記Note 02｜https://www.youtube.com/watch?v=4TkkI4ZccF0

筆記Note 03｜https://youtu.be/jIDC5e3DYoA

展覽資訊｜

展期Duration｜2017.07.29~09.17
開幕座談Talks｜2017.07.29 Sat. 3pm
開幕同樂會Videoke Party with Merienda｜2017.08.06 Sun. 1pm-5pm
地點Location｜鳳甲美術館 Hong-gah Museum

指導單位Advisor｜文化部、台北市文化局
贊助單位Sponsor｜國藝會
指定投影Projection｜奧圖碼科技Optoma TW
展場影音、燈光技術整合執行Administer｜千鳥藝術

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展覽介紹｜

國際知名攝影雜誌 GUP 首次來台，於8月26日起於 VT 非常廟推出荷蘭攝影新秀展，同時舉辦專家見面與座談。GUP 攝影雜誌為 “Guide to Unique Photography” 的簡寫，攝影媒體 Oitzarisme 將其評為「死前必買的雜誌之一」，與荷蘭 FOAM、紐約 Aperture 並列為當代最重要的攝影雜誌！此次活動是歐洲攝影雜誌首次在臺灣完整的推廣與呈現。GUP 的來台由雜誌編輯 Erik Vroons 親自領軍，展出歷年獲選「荷蘭新秀攝影師」（New Dutch Photography Talent）的攝影作品。荷蘭新秀攝影師的選秀是 GUP 雜誌舉辦的年度盛事，為荷蘭攝影界高度重視，每年選出最優秀的 100 位攝影藝術家的作品，收錄在年度出版的專輯之中。

‘New Dutch Photography Talent’ is an annual catalog established by GUP, an international magazine on photography based in Amsterdam, The Netherlands. Since 2012, 100 emerging photographers who are within the first five years of their career are presented in these catalogs. Most of them are Dutch by origin, but some non-natives are also included when they have completed their studies at one of the many art academies or photography schools in The Netherlands.

來台的攝影作品來自 Eva Roovers、Iris van Gelder、Justine Tjallinks、Marike Groeneveld、Rutger Prins、Sander van der Bij、Lonneke van der Palen、Lizette Schaap 8 位歷年獲選荷蘭新秀的攝影師作品，其中更包括東京國際攝影獎（TIFA）、鏡頭文化（LensCulture Portrait）、西恩納（Siena）國際攝影獎、Gosee 攝影獎等國際重要獎項的得主，堅強的陣容也顯示出 GUP 對首次來台展出的重視程度。

For this exhibition, Erik Vroons (editor-at-large for GUP Magazine) has selected 8 outstanding New Dutch Photography Talents: Iris van Gelder, Marijke Groeneveld, Eva Roovers, Lonneke van der Palen, Rutger Prins, Lizette Schaap, Justine Tjallinks, Sander van der Bij.

除了一系列以荷蘭攝影藝術為主題的活動外，VT 更爭取到與 GUP 合作推廣臺灣藝術家的難得機會。兩個單位將在 2018 年持續合作，於 GUP 的平台上推出臺灣攝影藝術的專題。這個活動首先在今年 8/29-30 以專家見面會的方式公開徵選可能躍上版面的潛力藝術家，對於喜愛攝影藝術和專職的創作者來說都是不可能放過的好機會。

All these emerging photographers have established, in an early stage of their career, a distinctive and distinquished style of working with the medium of photography. More than merely pushing the button and thus ‘recording’ what is to be seen, they all have a tendency to intermediate and to compose their own, unique way of looking at the world.

GUP 源自攝影蓬勃發展的荷蘭，雜誌專門刊載攝影相關的社群、觀念、評論與觀察內容。自 2005 年開創以來，GUP 一直在國際攝影藝術界扮演重要的角色。雜誌從實體紙本雜誌的發行開始，之後擴張到網站及社群網路的經營。透過網路社群每日更新的內容，GUP 得以與讀者保持緊密而且即時的關係。目前 GUP 的專業顧問來自 100 個以上的國家，並且持續在增加，以確保 GUP 是當前最專業、最即時的知識傳遞者。GUP 實體雜誌在美洲、澳洲、亞洲等超過 28 個國家裡擁有通路，每一期發行約 15000 本，在台灣網路與實體平台也都能找到這本雜誌，擁有 2000 多個固定訂閱戶，是對於當代攝影藝術具有可觀影響力的媒體。

‘Highlights: New Dutch Photography Talent 2012-2017’ at VT Artsalon gives a comprehensive sample of the various directions in which the medium of photography is moving in The Netherlands: from portraiture to landscape, and from installations to collages, all the works on display are a clear expression of the autonomous approach of each of these young visual artists.

展覽資訊｜

展期 Duration｜2017.08.26~09.23
開幕茶會 Opening｜2017/08/26 (六) 15:00 -19:00 (當日提早休館)
策展人 Curator｜Erik Vroons
藝術家 Artists｜Eva Roovers, Iris van Gelder, Justine Tjallinks, Marike Groeneveld, Rutger Prins, Sander van der Bij, Lonneke van der Palen、Lizette Schaap
展覽地點 Location｜VT ARTSALON (台北市新生北路三段56巷17號B1)

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展覽介紹｜

此展概念來自電腦語言中的「巨集」概念。此展ㄧ開始形成的方式就如同「巨集」般，同時集聚某ㄧ交接處開始形成另ㄧ種展覽生成的合作和產出。所謂電腦語言中的「巨集」，以電腦科學的角度來詮釋，是指某種特定將序列輸入以規則或是樣式的型態於程式中開始分佈，並重新取代電腦輸出序列。

既然藝術性的產出是根據情境式或實際狀況於策展人、空間和藝術家之間不斷地推擠衝撞，關於巨集的型態可以被瞭解為ㄧ種重要的方法論，以便在ㄧ般肖像研究中儲存更多敏感的意義。作為ㄧ個策展單位，我發現此巨集概念的方法論在布蘭登和仁達作品上以及從中與他們合作的過程中似乎可應用其中，尤其是針對過濾ㄧ連串的資訊以及體驗在來回不斷場合碰撞出的單一特質。但是，像這樣的情況，不是說馬上就直接可以被詳細說明的(由於不定期的展期或是說明)，相反地，因為這樣的不定性，在記憶中風的情況下，捕捉到並儲存在被經歷狀況下那種加密的情況。我之所以稱之為加密，是因為被儲存的資料跟事件發生的地點ㄧ點關聯性都沒有，因為這樣，像這樣加密的情況反而ㄧ開始就很容易被凸顯出來。最後，當有了機會可以展出此產出品，這樣的方式製造出某種不規則配方，因為藝術家和策展單位已經累積聚集多數被巨集化的情況，每種情況皆包含ㄧ連串殘酷剖開的感官知能資料。

由此清楚可見，這樣的生成品，並非拼貼，也不是裝貼，更不是模仿品。在某種程度的包容性當中其實是在屏除在外的，而為了能夠接收察覺各種不同情況下的(資訊接收/理解/傳達)正確性而犧牲了熟悉性的口語。在這裡精確性的形容此合作的作品可說是「在兩種不同的佈景(setting)中彼此互動」，所有可調節點(包括速度、高度、溫度、大小等)在怎樣的承載機器、裝置或軟體中可以被調整至得以操作啟動，然後被認知做為ㄧ個開幕活動 (佈景/場佈(setting)，如同在某種場景或是物件如何在不同環境的種類下被置放，或是某個活動或事件發生的地點)，像這樣的轉化，讓前者得以加入ㄧ起互動，也因為如此，而抵銷後者曾經加入或正在加入互動的情況。

FOGSTAND Gallery & Studio is pleased to announce Beholder, a two person exhibition including Glasgow-based artist Brandon Cramm (his first exhibition in Taiwan) and Taiwanese artist Jin-Da Lin. Macroing acts as the indented point toward which this exhibition begins to gather. A macro in computer science is a rule or pattern that specifies how certain input sequences are mapped to replacement output sequences, according to a defined procedure…….this is not collage, nor is it assemblage or pastiche. It is excommunicative to the degree in which inclusivity and colloquial familiarity are sacrificed for a perceived situational accuracy. An accuracy brought into play through the interplay between two types of settings, the thresholds of modulation (speed, height, or temperature, scale, etc) at which a machine, device or software can be adjusted to operate and the perceived opening (setting, as in the place or type of surroundings where something is positioned or where an event takes place) that allows the former to come into play, and by so doing, cancels out the later ever having been so.

關於藝術家｜

布蘭登∙葛蘭 (1986出生，美國) 目前生活及工作於蘇格蘭格拉斯哥市. 布蘭登於2013年畢業於格拉斯哥藝術學院藝術碩士。精選展覽及作品計劃如下： Self-Titled Group Show, Market Gallery (2016), The Grind, Voidoid Archive (2015), God Only Knows, The Tip (2015), Untitled, Sequences Festival (2015), Summer Vids, Sadie Halie Projects (2014). Select Publications and writing include: ‘Flavour Text Annotations’ commissioned by Transmission Gallery (2017), The Breadeaters, commissioned by Aniara Omann – Hybrid, Celine Gallery (2016), Let it Go, Gnommero (2015), Words Don’t Come Easy, Nylistasafnið (2014).

關於布蘭登的藝術創作實踐來自於反照觀眾的角色和綴飾對於影像和媒體之合作關係。他個人喜歡研究物件、媒體、工具及社群平台，當這些東西聚集在ㄧ起時形成某種限制以及偏見，尤其是針對某特定行為、過程以及內容，而這些生成物卻反而塑造我們所看見的現實。(如果不是為了想像其他前後文脈絡及重複敘述的能力的話)，這樣的組合其實是會有潛在性的限制程度。「工具使用的法則」上來說，如果你們全部都是鐵鎚，那麼怎麼看大家看起來就像是鐵釘ㄧ樣。可預見的問題是，在此陳述文中，從觀察者能力所得到的假設狀況，其實是已經識別出這些工具捲入其中的前提。也許對此陳述文另種說法是，「如果你們有的都只有是鐵釘，那麼所有的工具看起來都只是鐵釘。」或者，甚至可以捲入更多的工具，「如果所有的鐵釘被釘下時僅是個鐵釘，鐵釘釘釘子時就像個鐵釘。

當媒體化行為分解在具有使用者經驗的背景下，這些工具捲纏在ㄧ起的情況其實不是這麼容易被發現。這也許會促就開始對於修辭或雄辯以及手上的使用工具引發關注，不管是宣稱為是鐵鎚還是語言。從觀察者的角度，練習反覆不斷的察覺也許會帶來更多質疑，不單單只是從物件表演的世界中發現，也會從糾纏其中的個體當中以主觀性的方式察覺。在他的創作實踐中，他利用某種經濟便利化方式，除此之外，也可以說是運用某種自我消抹的設計修辭學：為了要展現以及質疑主體性同化的存在，而專注於在內在製成中動作示意的品質。

林仁達 (1983出生，高雄台灣)目前生活及工作於台灣。國立臺南藝術大學造形藝術研究所碩士畢。精選個/群展如下：《月台電影》，月台電影公寓，台北台灣(個展， 2014)。《打洞機》，中央研究院，台北/台灣(個展，2004)。《破碎的神聖》，台北當代藝術館，台北/台灣(群展，2017)。《繹域》，駁二倉庫，高雄/台灣(群展，2014)。《南國．國南，台越藝術家交流計畫》，齁空間，台南/台灣(群展，2012)。《TAIWANALE》，tamtamArt  gallery，柏林/德國(群展，2011)。《里昂福爾摩沙台灣電影節》，6e  CONTINENT，里昂/法國(群展，2010)。 《亞洲學生與年輕藝術家博覽會》，首爾火車站舊大樓，首爾/韓國(群展，2008)

林仁達通過錄像，在一些得以寄生記憶的地點與風景，重新凝聚自身記憶深處中的「某處」。也就是說，藝術家並非用水平的空間移動來再現兩個地點之間的類似性，而是不斷地將某個新地點虛構為記憶中的過往地點，這種虛構使得他能夠在旅行的記錄中不斷生產出敘事，而這些敘事又會回返連結上藝術家對於某些記憶片段的重新思考。林仁達是一個製造「縱深」的藝術家，從山野到城市、海港，從台北到高雄，他在這些地點之間編造（fake）著記憶的景深。

About artists｜

Brandon Cramm (b. American, 1986) currently lives in Glasgow, Scotland. Cramm has an MFA from Glasgow School of Art, 2013 and a BFA from The University of Wisconsin – Stout. Select exhibitions/projects include: Self-Titled Group Show, Market Gallery (2016), The Grind, Voidoid Archive (2015), God Only Knows, The Tip (2015), Untitled, Sequences Festival (2015), Summer Vids, Sadie Halie Projects (2014). Select Publications and writing include: ‘Flavour Text Annotations’ commissioned by Transmission Gallery (2017), The Breadeaters, commissioned by Aniara Omann – Hybrid, Celine Gallery (2016), Let it Go, Gnommero (2015), Words Don’t Come Easy, Nylistasafnið (2014).

The focus of his practice originates from a reflection on the role of the spectator and addressing a collective relationships to images and media. He is interested in how all objects, media, tools and social platforms have coded limits and bias toward certain types of actions, procedures, and content; all of which shape our versions of reality. Potentially limiting (if not for the ability to imagine other contexts and iterations), the ‘law of instrument’ warns, “If all you have is a hammer, everything looks like a nail.” A foreseeable problem could be in the statement’s assumption of the observer’s ability to recognise the tool they are already so entangled with. An alternative statement might read, “If all you have is a nail, everything looks like a nail.” Or, even more deeply entangled, “If all a nail nails is a nail, nails nail like a nail.”

This entanglement is far less obvious when the act of mediation dissolves into the background of our user-experience. This might promote a greater attention toward the rhetoric and tools at hand, whether it be hammers or language. From the position of the spectator, a practice of recursive observation might brings into question, not only a world of performing objects, but also the subjectivity of the individual intertwined in it. Within his practice he employs an economic use of, otherwise, self-effacing design rhetoric: emphasising a gestural quality innate in production, in order to display and question the presence of an assimilating subjectivity.

展覽介紹｜

達三件委託製作的影像裝置作品，分別回應台灣1990年代的三個文化史檔案，包括台北空中破裂節（1995）、台灣渥克劇團早年劇碼，與文化評論雜誌《島嶼邊緣》中一場酷兒身體的對談。展覽重新凝視當時以身體官能為基底的文化實踐──關於破敗的身體、踰越的感官、未竟的烏托邦。

The three commissioned video installations by Hsu Che-Yu, Su Hui-Yu and Yu Cheng-Ta in this exhibition respectively echo three archives of Taiwan’s cultural history in the 1990s, including the Taipei Breaking Sky Festival (1995), the plays by the Taiwan Walker Theatre in its early days, and an article featuring a discussion on the queer body in Isle-Margin, a magazine of cultural criticism. This exhibition gazes again at the physical function-based cultural practices shaped by wrecked body, sensual pleasure and unmaterialised utopia during that period of time.

三件作品背後的歷史文本乍看是零散而不規則的計畫，卻不約而同地涉及了某種遊戲的、干擾的、混雜的、庶民的文化實踐，遙遙相對於當時主流場域中雄辯、系統化的論述。在解嚴與野百合學運之後蓬勃發展的地下文化場景中，破敗的身體性化為各種小敘事，在大寫政治的解放周邊如影隨行，並被武裝為一種反文化的戰略，也形塑了當時對於邊緣與反叛的想像。

The historical texts underpinning the three works were somewhat unorganized at first glimpse, yet they coincidentally embodied a kind of playful, interfering, hybridised and vernacular cultural practices that contrast starkly with the eloquent, systemised discourses of the mainstream culture. In the exuberant underground scene after the lifting of martial law (1987) and the Wild Lily Student Movement (1990), the broken corporeality metamorphosed into various little narratives. They have crept up on the liberation of Politics as its shadow, and have been transformed into a counter-culture strategy, which also inspired the imagination about periphery and rebellion throughout the 1990s.

「破身影」的展題，指涉了1990年代台灣地下文化關鍵字的「破」，也是對「Brocken Spectre」（布羅肯鬼影）的訛譯與誤讀，該詞指稱登山者在頂峰時背對陽光，身體在前方雲霧中投射出的巨大陰影，舊時常被誤認為幽靈。這個橫亙在我們視線前方如鬼魅般的身影，在展覽中變成了一個歷史隱喻──它是我們自身的投影，卻又像是一個如幻術般溢出了主體的幽靈。

Broken Spectre, the title of this exhibition, not only refers to the keyword pò (broken / to break) of Taiwan’s underground culture in the 1990s, but also insinuates the term “Brocken Spectre,” a phenomenon which occurs when the sun shines from behind the climbers who are looking down from the peak into the mist. The sunlight projects their shadows that are enlarged through the mist, which had been mistaken for spectres. This exhibition managed to turn this huge, ghost-like silhouette erecting in front of us into a historical metaphor—it is a projection of the human body like yours and mine on the one hand, and resembles a ghost summoned out of the physical body by necromancy on the other.

展覽並不著力於再現歷史，更像是試圖捕捉文化史的鬼影。三件作品是破敗身體的歷史迴光，也是對於晚近文化檔案的改編、致敬與再想像。

This exhibition is dedicated not so much to representing historical facts as to capturing the spectre of cultural history. In addition, the three commissioned works are not simply the terminal lucidity of the broken corporeality, but also the tribute to as well as the adaptation and re-imagination of Taiwan’s modern cultural archives.

展覽資訊｜

展期Duration｜2017.07.01~2017.09.17
地點Venue｜臺北市立美術館 Taipei Fine Arts Museum
開幕Opening｜2017.06.30 14:00
參展藝術家Artists｜余政達YU Cheng-Ta、許哲瑜HSU Che-Yu、蘇匯宇SU Hui-Yu
策劃Curator｜游崴Yu Wei
策畫團隊Curatorial Team｜在地實驗計劃論壇 Etat Forum

活動專頁Event Page

2017年3月至6月，文化部將於臺灣南中北東四區舉辦分區論壇，討論六大議題。為讓各區皆能討論到六大議題，每區將選擇三場地，每場地主要分上午場、下午場討論兩大議題，並安排開放議題時段與針對文化基本法草案討論的時間，歡迎民眾參與。同時，文化部亦將於6月17日舉辦青年論壇，邀請青年與會一起討論六大議題，並將彙整所有論壇討論，於9月2-3日，分兩天舉辦全國文化會議，具體歸納未來文化政策的施政方向。歡迎進入活動專業了解各場次詳細資訊，並進行場次報名。所有論壇會議均提供現場直播，會後也提供會議記錄提供民眾參閱 。

 

視盟將於6月11日於台北駐日經濟文化代表處台灣文化中心展出由策展人侯昱寬策畫的「『阮的故鄉南都』臺灣當代藝術-國的消解與家的重建」，集結六位優秀臺灣當代藝術家李若玫、廖烜榛、黃奕捷、李佳泓、王又平、林書楷。展覽以一首歌《阮的故鄉南都》作為展覽的楔子，一首在臺灣五〇、六〇年代樂壇中流行以日文歌重新填上臺語詞後發行傳唱的混血歌，歌詞講訴著年輕人離開臺南前去都市打拼的故事，在異鄉持續地思念著他生長、成長的地方，在這個展覽中被藉以言說著臺灣和日本兩地關係的幽微情愫。

「寶島舊府城，懷念阮的鄉里，自從離開來到異鄉已經過數年。」《阮的故鄉南都》離鄉背井的歌並不少見，特殊的是，在當時流行的混血歌曲中，這首原曲採用日本方言、演歌形式，充滿「異國情調」的歌同樣指涉了一處日本的南方。日治時代結束，國民黨政府統治後，臺灣有段時間流行將日本曲目重新編入歌詞，或許當時的流行也表現了臺灣在身份認同上的複雜，如不論國與國的認同，家與異鄉也同樣在多元的認同下顯得難解。

在這展覽中，藉由《阮的故鄉南都》內在與外在所建構的離散，試圖讓我們進一步地思考家國的追尋、身份的考古及認同的重塑。如從廣大敘事的正史中離開，重新以土地個人自身家史、地方史出發，或許更能從中理解複雜面向中所身處的時間與空間。

家國的離散意味著孤島，意味著某程度的不可言說，意味著我們在共通的經驗底下，那些細細麻麻急需被揭露卻無從揭露的過往。在一次次地打掉重練中，如同解謎般地重新回看我們的歷史，或許我們能進一步地探問，隨著國土、政治的轉變，是否家、故鄉的移動亦隨之轉變？在複雜難解的離散認同中，我們又如何牽引出一條隱形面對歷史的線？藉由地點？藉由血源？或是在種種想像中編造、重組的新的「家史」。

此次展出的藝術家中，他們中心均指涉著家的追尋，經由尋根或是尋找認同，或是在虛構中重新建構認同，在創作不斷地探詢著「小我」的存在，藉此搖晃著那「大我」的存在。

「別說出去了，在我家池塘裡面，游著一群會噴水的魚兒們。夜裡來吧，夜裡來吧。」《南国土佐を後にして（離開南國土佐後）》《阮的故鄉南都》的原曲《南国土佐を後にして》，歌詞同樣訴說著離開故鄉的土佐人，在外想念著家鄉。我們如何稱故鄉為故鄉？家又為何物？在兩個不同的南國，在兩首如同雙胞胎的歌曲的牽引中，此次的展覽想像著家的追尋、家的和解、家的重構或許是可能的。

策展人：侯昱寬 / HO, Yu-Kuan
1983 年生於臺南。臺灣國立臺南藝術大學-藝術史與藝術評論研究所碩士。現任獨立策展人和藝術評論家。曾任絕對空間藝術工作室藝術行政、《今藝術》雜誌（AROCO monthly magazine）特約採訪編輯。策展經歷包含「赤誠／赤城」策展人（與楊佳璇共同策展）、「當鱷魚吞下時間」策展人（與楊佳璇共同策展）、2015臺灣藝術家博覽會主題策畫「畏黑之鼠」策展人。

展覽日期｜2016.06.11-2016.07.31
展覽開幕｜2016.06.11 2:00 pm

座談時間｜2016.06.11 3:10 pm
參展藝術家｜李若玫、廖烜榛、黃奕捷、李佳泓、王又平、林書楷
策展人｜侯昱寬
座談會與談人｜策展人、參展藝術家、潘逸舟

展覽地點｜ 台北駐日經濟文化代表處台灣文化中心
展覽地址｜台北駐日経済文化代表処台湾文化センター，105-0001 東京都港区虎ノ門1-1-12 2F
企劃｜台灣視覺藝術協會（AVAT）
翻譯／逐次通訳｜池田リリィ茜藍

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「私のふるさと南都」台湾の現代アート―国家の解体と拠り所の再建

▶会期：2016年6月11日（土）-7月31日（日）
▶オープニング・パーティ／OPENING：6月11日（土） 14:00-15:00
▶オープニング・トークイベント／LECTURE：6月11日（土）15:10-16:40
｜キュレーター｜：侯昱寬（ホゥ・ユークァン）
｜出品作家｜：李若玫（リ・ルーメイ）、廖烜榛（リャォ・シュエンジェン）、黃奕捷（ファン・イージェー）、李佳泓（リ・ジャーホン）、王又平（ワン・ヨォピン）、林書楷（リン・シュカイ）
｜出演｜本展担当キュレーター、出品作家、潘逸舟(ゲスト)

▶会場：台北駐日経済文化代表処台湾文化センター (〒105-0001 東京都港区虎ノ門1-1-12 2F)
▶企画：台湾視覚芸術協会
▶翻訳／逐次通訳：池田リリィ茜藍

一度も触れたことのない過去とまだ見ぬ未来のその先で、大海原と陸地はどのように親密に結ばれ、結び合うのだろうか？人類が集落を形成し始めた太古の昔、または私たちが国土の構築をし始めてから、土地というのは何時から意義を持つようになったのだろうか？近代化以降、私たちは絶え間なく自分と他人との間に何層もの後ろ盾、壁、縁、境界を増やしてきた。私たちは「我々」になり、「私」となり、彼（彼女）とあなたをも分け隔ててきた。血筋は国家の境界を揺るがし、政治は家族間の境界をも揺さぶった。家族と国家、国と国の間で揺れ動いているのが、今の私たちだ。
はじめに、ある歌を本展覧会の趣意として引き合いに出したい。‘五〇年代、‘六〇年代における台湾の音楽シーンは、日本語の楽曲に新たに台湾語の歌詞を付けてカバーするのが人気を博し、台湾国内で発売されては広く歌われていた。『私のふるさと南都』もその一曲である。故郷の台南を離れ、若者が都会で奮闘する物語を描いた歌詞は、他郷で自分の生まれ育った場所への想いを伝えている。

「宝の島よ古の府城よ　懐かしき私の故郷　異郷の地に来て何年もの月日が過ぎ去った」―『私のふるさと南都』。遠く離れた郷里を想う歌は少なくないが、その頃台湾で数多く歌われていた混血歌のなかでも、この曲はまた一味違う。期せずしてこの原曲『南国土佐を後にして』も日本語の方言と演歌の形式を用いた「異（南）国情緒」溢れるものであり、同じく日本のとある南方の地にまつわる歌であるからだ。日本統治時代の終焉を迎え、国民党政府が国を治めた後、台湾では暫くのあいだ、日本語の曲に新たに歌詞を付けるのが流行った。その風潮は、当時の台湾における帰属意識や自己認識の複雑性を物語っている。国家のアイデンティティだけでなく、故郷と異郷というのも同様に、重層的なアイデンティティによって一筋縄では理解し難い様相を帯びている。

『私のふるさと南都』の、ウチとソトから構築された離散は、家国への探求、身分についての考究、アイデンティティの再建について深く考えるための、私たちの手がかりになりうるかもしれない。大文字の正史ではなく、個人の家族史や郷土の地方史に立ち返れば、複雑な横断面の中にある、自らが身を置いてきた時間と空間についても、より理解を深めることができるはずだ。

家国の離散とは孤島を意味し、語ることのできない度合い（またはどれくらい語られなかったのか）を意味する。そして、私たちに共通する経験の奥底で、早急に明らかにしなければならなかったが、葬られてしまった細かくて煩雑な過去たちをも意味する。「打開」と「再考」を繰り返す中で、歴史は紐解かれ、見つめ直されてきた。私たちは更にもう一歩進んで、問い直せないだろうか。国土や政治の変遷によって、故郷も拠り所も、それに伴い移り変わるものなのか？複雑で難解な、離散するアイデンティティを通して、私たちはどのようにして歴史と向き合うための糸口を手繰りよせられるのか？それは場所によるのか？それとも血筋から来るものなのか？あるいは様々な想像の中で、新しい「家史」を編纂し、組み直していくところにあるのだろうか。

本展覧会のアーティストたちは、ホームたるものへの探求を軸に、アイデンティティの受容やルーツ探し、またはフィクションの中から新たな自己承認を構築している。創作活動を介し、絶えず「小さな私」の存在を探索し、それを持って「大きな私」という存在を揺さぶっている。
「言うたちいかんちゃ　おらんくの池にゃ　潮吹く魚が　泳ぎよる よさこい　よさこい」―『南国土佐を後にして』では、同じくふるさとを遠く離れた土佐の人が、異郷で自分の生まれ故郷を思う気持ちを歌っている。私たちは故郷をどのようにして故郷たらしめるのだろうか？ホームとはなにか？異なる二つの南国、双子のような二曲の歌に導かれた本展覧会では、追い求める自分たちの居場所、和解する私たちのホーム、拠り所の再建といった可能性を想像しているのかもしれない。

在一個慵倦的夜裡，我進入黑暗伴有閃爍的空間中，像是在宇宙中，
漂浮著想找個依靠，此時此刻繪畫的元素都紛紛浮現出來，
於是我知道那是我腦海裡的小宇宙。
–盧俊翰

In a lethargic night, I enter into a space of darkness
that is accompanied by glimmering sparkles, just like the universe.
I float and yearn for something to lean on,
as elements of painting begin to gradually emerge in this exact moment.
I then realize that this is the small universe dwelling inside me.
— Lu Jyun-Ha

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展覽介紹｜

在佛洛伊德的《夢的解析》中曾提到，由於夢有凝縮的作用，所以人們永遠無法清楚完整地將自己的夢境解釋出來，也因此，凝縮作用的程度始終無法被具體地定量。在這樣未知的能量裡，沒有時間與空間的限制，凝縮後的夢境就像失序的電影畫面般疊合更迭；做夢者穿梭在這樣的場域裡，彷彿迷失在無垠的星際幻境之中。

It is mentioned in Sigmund Freud’s Interpretation of Dreams that dream involves the process of condensation, making it impossible for people to clearly decode their own dreams. Because of this, the condensation level could never be tangibly quantified. There are no temporal or spatial constraints in this unknown energy field, and a condensed dreamscape is like an out of sequence movie with overlapping images. The dreamer lingers in such a setting and is seemingly lost in a boundless galaxy.

本次於MOCA Cube的個展中，盧俊翰試圖將這場能量的探索比喻為藝術創作的歷程：創作者就像浮游在黑暗宇宙裡的夢遊者，偶爾被遠方星球所發散出的微微光芒所吸引；四周的晦暗隨著忽明忽暗、或清晰或模糊的光點，譜出迷幻絢爛的星象風景，而夢遊者也因此陶醉其中、無法自拔。

In Lu Jyun-Han’s solo exhibition presented at MOCA Cube, he seeks to use the exploration of this energy field as a metaphor for the journey of creating art. The artist is like a dream walker floating in the dark universe and is sometimes drawn in by the faint glimmers emitted from the planets afar. The haziness around him wavers between brightness and dimness, and bright spots that are either distinct or blurry surround him. The celestial landscape formed is ethereal and stunning, and the dream walker is enchanted and deeply immersed.

自喻為【被誘惑的夢遊者】，盧俊翰認為創作就像一場充滿魅力的遊戲，因為對遊戲感到好奇，便情不自禁地為之吸引，並進入其中探險、遊歷。透過盧俊翰的現地彩繪創作，不僅讓觀眾得以一窺藝術家造夢的過程；在作品完成後，觀眾也能進入貨櫃空間中，感受藝術家腦海中的心像宇宙。

Lu refers to himself as a “tempted dream walker”, and he thinks that making art is like a game that is intensely fascinating. His curiosity for this game makes him uncontrollably attracted to it, as he becomes engrossed and embarks on explorations and adventures. Through Lu’s on-site painting, the audience can catch a glimpse of the artist’s dream-making process. The audience can also go inside the container space when the artwork is finished to experience the inner universe inside the artist’s head.

 

展覽介紹｜

睽違多年，藝術家韓湘寧再度回到台灣，於關渡美術館大師系列展廳[Master Piece Room]舉辦個展「韓湘寧的時空回顧」。早慧的他實際上於1961年即以抽象作品入選巴西聖保羅雙年展，而後也在1966年攝製過《跑》這件錄像作品，2010年剪輯成11分鐘長的影片裡，畫家席德進身著條紋上衣在清晨的仁愛圓環上不斷跑著，空無一人的街道上逐漸出現車流，最終席德進的身影混入摩托車陣中，消失在鏡頭前。抽象畫、照相寫實、錄像、甚至結合了行為的拓印畫…，韓湘寧從不被媒材所束縛，這次在關渡美術館展出《2016紐約SOHO》、《1986重慶人群》、《白色自畫像》系列與《行旅圖》系列作品等，不僅展現韓湘寧在媒材上的多方嘗試，也藉由創作來為大眾訴說他50多年來的移動軌跡。

H. N. Han is finally returning to Taiwan after some years away to present a solo exhibition, RECALLING, at Master Piece Room, Kuandu Museum of Fine Arts, TNUA. Han showing early signs of true talent, his abstract work was already selected for the Sao Paulo Art Biennial in 1961. In 1966, he created the video work, Running, which was edited in 2010 into a 11-minute long video consisting of the painter Hsi De-Chin wearing a striped shirt running continuously in the morning around the Renai Roundabout in Taipei. As cars begin to show up on the originally empty street, He is then blended into a flock of scooters, disappearing before the lens. Creating abstract paintings, realism photography, video art, and even rubbing paintings combined with performance art, Han is never bounded by the medium. On view at the Kuandu Museum of Fine Arts this time are SOHO New York, 2016; People of Chongqing, 1986; various series of Self Portrait; and the series of Travelers. The artworks not only shows Han’s attempts to work with different media but also showcase his endeavor to use art to recount to the public the trajectory of his movements in the past fifty years.

1967年赴美國紐約發展，而後於2000年在中國大理打造第二個創作基地，近來他回到台灣準備打造第三個工作室，將每年的時間切分，居住於不同城市的韓湘寧，以展覽為我們展現其創作時間的累積與層疊，和居住在不同地區的視野，藝術家同時對自己的創作脈絡進行「時的回顧」，而每個系列也回顧了藝術家生活「空（間）的軌跡」。這次，韓湘寧延續自身繪畫的脈絡，以極淡的白與灰描繪了幾幅對自己深具重要階段性的自畫像，在中國被稱為「當代藝術活歷史」的韓湘寧，透過描繪過往的記憶，持續與台灣這塊土地對話。

Han moved to New York in 1967 to pursue a career in art, and he created a second creative base in Dali, China in 2000. He has recently returned to Taiwan to prepare for the shaping of his third studio. He divides his time living in different cities each year, and RECALLING – H. N. Han Solo Exhibition shows the accumulation and compilation of the artist’s creative journey and the different horizons he has gained from living in different areas. At the same time, the solo exhibition is also engaged in by the artist based on his own creative context, with each series also a review of the trajectory of the artist’ living spaces. Han is continuing with the context of his painting this time, using extremely faint colors of white and gray to depict several photographs that hold great significance for him. Han is regarded in China as a “living history of contemporary art”, and through illustrating his past memories, he also continues to engage in a dialogue with Taiwan.

「行旅圖」系列則是發展於1990年代韓湘寧於紐約蘇活區開始的一系列地面拓印，他原以照相機代替速寫，而後感到有所不足，因此帶著滾筒與紙墨，將每日行走的路面痕跡給拓印下來，1999年他開始將此拓印痕跡置入北宋范寬名畫《谿山行旅圖》畫面中，2000年落腳於中國大理後也繼續拓印中國各城市建設的樣貌；如同巨碑山水的氣勢，此次展出的巨幅的行旅圖將垂掛於關渡美術館展廳中央，宣示著韓湘寧源源不絕的創作能量。

His Travelers series originated in the 1990s from a collection of rubbings Han created in Soho, New York. He began by taking photographs to replace sketches, but later felt the approah was insufficient. He then used a roller, ink, and paper to transfer the textures on the roads he walked on each day by rubbing. From 1999, he began to incorpoarte impressions from the famous painting by Fan Kuan (ca. 950-ca. 1031) from the Northern Song period, Travelers among Mountains and Streams, in his artworks, and he cotinued to rub and transfer different features of urban deveopment he saw in China when he moved to Dali, China in 2000, This time in Kuandu Museum of Fine Arts, Han’s Travelers Among Washington, D.C. and Sanxia, Taipei is placed on display in the center of gallery, with the artist’s boundless creative energy demonstrated.